POR QUÉ EL LOUVRE

Reeditado.

T. Rojas desde París

El Louvre hace parte de una serie de reflexiones que me pidieron que hiciera desde París . ¿Por qué elegí El Louvre para comenzar éstos escritos? Simplemente porque éste lugar resume lo que representa Francia en el mundo . El Louvre engloba y acoge la cultura en su totalidad. Es un lugar abierto y democrático, muestra toda forma de expresión haciendo de la libertad su lema. Es un espacio donde la pintura, la escultura, la música, el cine , el teatro, la danza, la moda dialogan en un sinfín de matices y en un constante movimiento. El Louvre colabora con su “saber hacer” y se instala, ­ en tiempos frágiles políticamente, ­ en otros lugares como en Abu Dhabi. La arquitectura de éste nuevo Louvre respeta y valora la geografía del lugar. El arquitecto Jean Nouvel dice que su proyecto traduce “el deseo de crear un museo universal, en equilibrio entre la arena del desierto y el mar” El Louvre se instaló también en Lens, otra ciudad de Francia .

Michelangelo Merisi, llamado Caravaggio (Milán, 1571- Puerto Ercole, 1610)

Breve, novelesca, trágica, así fue la vida y el entorno del trabajo del artista. Caravaggio dejó una huella profunda en el desarrollo de la pintura del siglo XVII, la esencia de su pintura era el realismo y la utilización de la luz.

Michelangelo Merisi nació en Milán en 1571. Su familia era nativa de Caravaggio, ciudad situada a cuarenta kilómetros de Milán. Su padre, Fermo Merisi, trabajaba para el Marqués de Caravaggio cuya esposa era de una familia poderosa: los Colonna. Michelangelo fue protegido a lo largo de su vida por los Sforza y por los Colonna.

En 1576, la familia se instala en Caravaggio para escapar de la peste que aparece en Milán, pero su padre y su abuelo mueren de ésta el año siguiente.

Con solo doce años, Michelangelo vuelve a Milán para estudiar pintura en el taller del maestro Simone Peterzano, estudia con mucho talento los maestros lombardos del siglo XVI y sobre todo Da Vinci y Tiziano. Cuatro años más tarde, vuelve a Caravaggio. Su madre muere en 1590 y dos años después comienza el viaje hacia Roma, capital religiosa y política.

Absoluta precariedad, los primeros años son difíciles. Encuentra trabajo en el taller de Lorenzo Siciliano, luego copia retratos para otro pintor más conocido que el anterior hasta que logra trabajar para el pintor Giuseppe Cesari, llamado Le Cavalier D’Arpin. Ocho meses en ese taller donde realiza  en particular flores y frutas que causan rápidamente gran impacto. Flores, frutas, objetos ejecutados con absoluto esmero y un total realismo: la realidad de las cosas tiene la misma materialidad que las figuras humanas: un racimo de uvas, un jarro, nos llegan con la misma densidad y sobretodo insinúan sensaciones de evidente erotismo: la sensualidad de la luz que acaricia un hombro desnudo, los labios que invitan a un beso del Joven con una cesta de frutas. Las sensaciones que produce ésta pintura son infinitas, la realidad de Caravaggio es única.

Peleador, asesino, genial, provocador, son los calificativos que lo siguen a lo largo de su corta vida. Palacios romanos, bajos fondos nocturnos, cárcel y condena a muerte por el Papa, hasta el exilio y la muerte en una playa de Ercole. El mundo artístico cuenta con muchas personalidades violentas, pero hay que agregar a la personalidad de Caravaggio, orgullo e intolerancia. No obstante, Caravaggio libera los artistas de los códigos del manierismo: la pintura religiosa, el arte sagrado se humaniza: el pueblo de Roma está bajo la luz de Caravaggio, entre los claroscuros, la belleza, la fealdad, la pobreza, el dolor, toda la substancia del ser, la tenemos enfrente.

El 30 de enero de 1592 Ippolito Aldobrandini es elegido Papa, cuyo nombre cambia en  Clemente VIII. Comienza por la modernización de los escritos litúrgicos, la traducción latina de la Biblia  queda vigente hasta en 1965. También se ocupa del destino Europeo dando la absolución a Henri IV (el cual se había convertido al catolicismo dos años antes) y reconociéndolo como legítimo heredero del trono de Francia. También logra reconciliar Francia y España en 1598.

Clemente VIII es inflexible cuando se trata de moral y no vacila en condenar a muerte para dar el ejemplo. Condena a muerte a través del tribunal de la inquisición uno de los sabios de  la época: Giordano Bruno, éste había dicho que el universo era infinito y que habían muchos planetas habitados: para la Iglesia, la Tierra era de manera dogmática, el centro de un universo limitado.

El 17 de febrero de 1600, Giordano Bruno fue quemado vivo y seguramente Caravaggio asistió a la ejecución.

En julio de 1599, gracias a la protección del cardenal Del Monte, le encargan dos obras para la capilla Contarelli en la Iglesia San Luis de los franceses, tiene que terminarlas para el jubileo de 1600. El Papa Clemente VIII había comenzado un proyecto de gran amplitud de renovación de la ciudad.

Caravaggio es reconocido públicamente, a pesar de las opiniones negativas que suscitan estas obras. Caravaggio interpreta los temas encargados, con total innovación: el realismo brutal e incomprendido por algunos, tendrá como resultado entre 1600 y 1606, una enorme controversia, al punto que algunas de las obras fueron rechazadas por aquellos mismos que las habían encargado.

Caravaggio provoca y nos deja su visión sin concesión, ni atenuantes. Violenta y genial.

La Muerte de la Virgen, 1601-1606, 369 × 245 cm, Louvre

La muerte de la Virgen según Los Evangelios Apócrifos, es un trànsito cuyo final es la Asunción y el coronamiento como Reina de los Cielos. María fue concebida y concibió sin pecado, por lo mismo, fue preservada contra las injurias de la muerte. La iconografía “tradicional” de la muerte de la Virgen, es una Asunción rodeada de los apóstoles y en la parte de arriba, los cielos se abren con una miríada de ángeles, o Cristo. El alma y el cuerpo de la Virgen son llevados directamente a los cielos.

Caravaggio suprime la Elevación y hace exactamente lo contrario de lo que se esperaba: no sigue el dogma católico de la muerte de la Virgen. Quizá la encontraba demasiado irreal. Tal representación  fue una conmoción para los carmelitas de Santa María della scala. La obra fue retirada rápidamente y vendida al duque de Mantua por mediación del joven Rubens en 1607.

La Madre de Dios en el cuadro de Caravaggio, no está representada con la magnitud divina, Caravaggio tomó como modelo una prostituta ahogada. Su Virgen es una mujer del pueblo, simple, realmente muerta, hinchada, con los tobillos desnudos, a la vista,  lo cual es un sacrilegio. Lo que tenemos delante, es un suceso humano.

Los apóstoles y María Magdalena, sentada en primer plano (pronto lavará el cuerpo de la Virgen, el recipiente está ya preparado), expresan un profundo dolor y una inmensurable tristeza. Ninguno mira hacia el cielo ni extiende los brazos hacia éste, todos miran hacia abajo o hablan entre ellos – como los tres apóstoles de la izquierda. El claroscuro acentúa el sentimiento de dolor y recogimiento. La parte de arriba del cuadro no se abre al cielo, solo vemos un muro vacío disimulado por una colgadura cual un telón que oculta una soledad profunda, un silencio frente al deterioro físico inmanente a la vida humana.

Caravaggio nos da una obra donde lo sagrado, lo religioso, está finamente expresado por la luz: ésta roza los apóstoles para llegar de lleno hasta el rostro de la Virgen y la nuca acongojada de María Magdalena. La luz une de manera simbólica la Virgen a los Cielos y también presenta la dignidad humana de la muerte. El arte de Caravaggio gusta, prueba está que las obras rechazadas fueron adquiridas rápidamente, pero para las autoridades religiosas, estas resultan problemáticas.